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钟声传幽谷 134cm×134cm 刘奎 |
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春风吹入钓鱼湾 35cm×68cm 刘奎 |
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隔岸 18cm×25cm 刘奎 |
□ 山东师范大学 刘奎
经典与自然的互通
创作是绘画艺术的最终体现，临摹是绘画通向创作的重要桥梁。在由临摹转向创作的过程中，画家要善于从经典作品中寻找自然的再现。经典作品之经典之处在于其蕴含的艺术养分经得起反复推敲与研读。但把握“优秀作品”与“经典作品”之间的差异对于绘画学习者来讲还是很重要的。作为山水画发展的高峰时期，五代、宋、元数百年间出现了许多可以奉为经典的作品，这些作品虽然各有自己独特的面貌，但都蕴含着山水画最基本的道理与规范，这个最基本的道理（道）与规范（法）是学习山水画入门的必然元素和必然途径。自然形象远比绘画更为生动与复杂，但是经典作品的处理方式与符号表现提供了连接自然与绘画的桥梁。画者通过对经典作品的学习，对现实景观的转换和表现，逐渐学会在绘画过程中表现自己的情感，而不会总是由于表现能力的不完善而纠结。读万卷书，行万里路，绘万里山河，独抒己怀，这样的绘画状态才更具有魅力。对经典的熟练与把握、感悟与内化，结合自然界中更为丰富美丽的景观，在笔墨中依托对中国传统文化本质的认识与体悟，在自然中寻找鲜活的绘画元素与形象，互为依托、互相补充，画者在经典与自然的深厚土壤中便会慢慢滋养出新的绘画语言。
中国绘画的特性与其他绘画艺术形式有着明显区别。除了表现材质的不同(宣纸、毛笔)，主要还是因为中国绘画和中国传统文化紧密相连，承载了更多绘画之外人生哲学的实物显现，所以中国绘画大多温和含蓄。与西方绘画具有的强烈的视觉冲击感不同，中国绘画温和含蓄的特性，使它需要特殊的方式来解读和观看。从绘画的本质来说，中国传统山水画所表达的内容是从心的，关于精神家园意义的概括是一般概念中的“写实”难以实现的，“虚”的表现手法更容易让观者感受到或者寻找到符合各自认识与想象的空间。山水画创作的最终期望是可以放情丘壑，“飘然物外情，不可以俗画传其意旨”。一个画家对绘画的理解和追求方向影响着绘画层次的高低。绘画技巧、笔墨功夫可以通过训练来提高，修养与品格可以通过读书与学习取得进步，但最终在作品中的展现或者说画家所能达到的高度，是源于对绘画本质、对中国传统文化的理解。
当下画坛，绘画的方式方法、图式形象、风格面貌多样，既有遵循传统审美趣味的作品，又有接受西方艺术取向的绘画，亦不乏中西结合的经典作品。纵然五彩纷呈，但万变不离其宗的是艺术的基本规律与特征。宋人重法，元人重意，各个时代特色不同，在学习过程中只要把握住基本的画理和法度，在山水画创作中就不会有太多疑惑与纠结。以法度为起点，以文养心，以画抒情达意，最终自然会找到创作中随心所欲不逾矩的良好状态和情感抒发。
个人语言的强化
个人绘画语言的形成是经过临摹、写生与创作不断融合锤炼，再依据个人的审美习惯以及用笔、用墨、用色偏好等逐渐成熟的，可以说是传统绘画语言的个人化。
山水画在每个朝代都有不同的审美趣味和侧重点。笔墨当随时代，笔墨与时代结合并不是主观意识下的刻意寻找，而是在时代文化与环境中自然形成的。绘画的发展与时代的发展是彼此联系的，在这个过程中所显示出的具有鲜明个人特色的绘画是时代发展中的亮点。中国绘画是中华民族精神的表白，也是中国哲学思想外化的一种样式。
中国绘画从产生的那一天起，就和传统文化紧密相连。它既是艺术的，又是哲学的，同时也是文学的、诗意的。功夫在画外，画外之功更是中国传统绘画精神所看重的，所以才会更多地强调读万卷书、行万里路，这类似于修行的学习方式体现了中国绘画的博大精深，可以说，中国绘画是靠文化滋养出来的。
创作是一个画家绘画能力与绘画状态集中体现。画家的审美能力创作技巧相结合会逐渐形成特有的艺术风格。创作最终的成熟状态来源于画家对自然、文化以及自身的综合思考。
气韵生动不单单是依靠绘画技能得来，而要基于对中国传统文化的理解，对哲学思辨的顿悟，对人生的深入体会，绘画到最后要看的是气息、格调、修养等综合素质。这是一路修行的过程，是无止境的过程，是自我完善发展的过程。
新时代语境中的艺术借鉴
中国绘画背后是一个包容性非常强的思想文化体系。当代社会语境中，信息的传播、交流、融合，都与传统的文化状态有着很大的差异，但传统文化的包容性和宽广性使山水画在当代有了许多新的语言面貌、表现样式。时代变革、社会发展，在新时代语境中，我们应该去寻求更贴合自己内心的绘画状态，毕竟对于个体来讲，绘画的意义在于个体审美理想的展现。所以山水画的表现形式应该是多元的、开放的。当我们以更为宽广的思维去理解和表现的时候，自然能够跳出传统和创新之间的纠结与徘徊。如果说经典作品是传统绘画学习中绕不开的高峰，同样西方绘画也有许多优秀作品值得我们借鉴、学习、融合。西方绘画造型的的写实性、色彩的丰富性、画面形式的多元化等都可以在我们的绘画中转化为具有典型中国审美的艺术样式。
仔细分析传统山水画中写生作品的最终样貌，就不难发现，传统艺术观念下的写生最终所呈现出的作品样态几乎都是主观意识下笔墨关系的表现。哪怕是寥寥数笔的墨稿都具有很宽阔的不可预见性。西方风景绘画大多从一开始就努力忠实于自然，或者说在绘画意识中对自然的热爱或崇拜是其摹写的根源。传统山水画的写生很大程度上是具有创作性的，西方风景绘画的写生更关注对实景的再现——虽然这个过程中同样也包含着画家的主观处理与艺术化表现。而传统山水画的关注点从一开始就是超越于风景本身的，是依托于笔墨意趣而来的。认识到这一点，在学习借鉴过程中便可以把握主动性，获取自身所需要的艺术灵感，以一个开放、兼容的眼光和心态去扩展自己的文化广度与宽度，在山水画创作中一定可以找到更符合画家自身文化追求的表现方式。
风格的形成与格调的提升
绘画风格不应是刻意追求的，而是在创作过程中自然形成的。一般情况下，在绘画学习初期，学习者很容易受老师的影响，在作品中表现出明显的向师性，但随着对绘画理解的深入，具有个体特色的绘画风貌便会逐渐显现出来。从学习到创作，不同阶段会有不同的关注点，比如某个时期对于画面特殊效果的追求，对于画面形式感的迷恋，对于某种技法的过度依赖，这些都是必经的阶段，学习者不必急着去摆脱。个人绘画风格的形成并不是偶然的，与画家的主观努力、思考、实践是分不开的，通过大量的实践与探索以及对中国传统文化的深入学习与研究，日积月累便会形成个人的绘画语言风格。
在关注个人风格的同时，还有一个关键点就是绘画格调的问题。绘画是讲究个人风格的，风格与画家的个性、生活经历、审美取向都有很深的关联，把绘画作品的评价标准综合起来就是对画家作品格调的要求。风格无好坏，格调有高低，格调是画家艺术境界与思想境界的综合体现，所以，在追求绘画风格的过程中更应关注绘画格调的提升。
经典与自然的互通
创作是绘画艺术的最终体现，临摹是绘画通向创作的重要桥梁。在由临摹转向创作的过程中，画家要善于从经典作品中寻找自然的再现。经典作品之经典之处在于其蕴含的艺术养分经得起反复推敲与研读。但把握“优秀作品”与“经典作品”之间的差异对于绘画学习者来讲还是很重要的。作为山水画发展的高峰时期，五代、宋、元数百年间出现了许多可以奉为经典的作品，这些作品虽然各有自己独特的面貌，但都蕴含着山水画最基本的道理与规范，这个最基本的道理（道）与规范（法）是学习山水画入门的必然元素和必然途径。自然形象远比绘画更为生动与复杂，但是经典作品的处理方式与符号表现提供了连接自然与绘画的桥梁。画者通过对经典作品的学习，对现实景观的转换和表现，逐渐学会在绘画过程中表现自己的情感，而不会总是由于表现能力的不完善而纠结。读万卷书，行万里路，绘万里山河，独抒己怀，这样的绘画状态才更具有魅力。对经典的熟练与把握、感悟与内化，结合自然界中更为丰富美丽的景观，在笔墨中依托对中国传统文化本质的认识与体悟，在自然中寻找鲜活的绘画元素与形象，互为依托、互相补充，画者在经典与自然的深厚土壤中便会慢慢滋养出新的绘画语言。
中国绘画的特性与其他绘画艺术形式有着明显区别。除了表现材质的不同(宣纸、毛笔)，主要还是因为中国绘画和中国传统文化紧密相连，承载了更多绘画之外人生哲学的实物显现，所以中国绘画大多温和含蓄。与西方绘画具有的强烈的视觉冲击感不同，中国绘画温和含蓄的特性，使它需要特殊的方式来解读和观看。从绘画的本质来说，中国传统山水画所表达的内容是从心的，关于精神家园意义的概括是一般概念中的“写实”难以实现的，“虚”的表现手法更容易让观者感受到或者寻找到符合各自认识与想象的空间。山水画创作的最终期望是可以放情丘壑，“飘然物外情，不可以俗画传其意旨”。一个画家对绘画的理解和追求方向影响着绘画层次的高低。绘画技巧、笔墨功夫可以通过训练来提高，修养与品格可以通过读书与学习取得进步，但最终在作品中的展现或者说画家所能达到的高度，是源于对绘画本质、对中国传统文化的理解。
当下画坛，绘画的方式方法、图式形象、风格面貌多样，既有遵循传统审美趣味的作品，又有接受西方艺术取向的绘画，亦不乏中西结合的经典作品。纵然五彩纷呈，但万变不离其宗的是艺术的基本规律与特征。宋人重法，元人重意，各个时代特色不同，在学习过程中只要把握住基本的画理和法度，在山水画创作中就不会有太多疑惑与纠结。以法度为起点，以文养心，以画抒情达意，最终自然会找到创作中随心所欲不逾矩的良好状态和情感抒发。
个人语言的强化
个人绘画语言的形成是经过临摹、写生与创作不断融合锤炼，再依据个人的审美习惯以及用笔、用墨、用色偏好等逐渐成熟的，可以说是传统绘画语言的个人化。
山水画在每个朝代都有不同的审美趣味和侧重点。笔墨当随时代，笔墨与时代结合并不是主观意识下的刻意寻找，而是在时代文化与环境中自然形成的。绘画的发展与时代的发展是彼此联系的，在这个过程中所显示出的具有鲜明个人特色的绘画是时代发展中的亮点。中国绘画是中华民族精神的表白，也是中国哲学思想外化的一种样式。
中国绘画从产生的那一天起，就和传统文化紧密相连。它既是艺术的，又是哲学的，同时也是文学的、诗意的。功夫在画外，画外之功更是中国传统绘画精神所看重的，所以才会更多地强调读万卷书、行万里路，这类似于修行的学习方式体现了中国绘画的博大精深，可以说，中国绘画是靠文化滋养出来的。
创作是一个画家绘画能力与绘画状态集中体现。画家的审美能力创作技巧相结合会逐渐形成特有的艺术风格。创作最终的成熟状态来源于画家对自然、文化以及自身的综合思考。
气韵生动不单单是依靠绘画技能得来，而要基于对中国传统文化的理解，对哲学思辨的顿悟，对人生的深入体会，绘画到最后要看的是气息、格调、修养等综合素质。这是一路修行的过程，是无止境的过程，是自我完善发展的过程。
新时代语境中的艺术借鉴
中国绘画背后是一个包容性非常强的思想文化体系。当代社会语境中，信息的传播、交流、融合，都与传统的文化状态有着很大的差异，但传统文化的包容性和宽广性使山水画在当代有了许多新的语言面貌、表现样式。时代变革、社会发展，在新时代语境中，我们应该去寻求更贴合自己内心的绘画状态，毕竟对于个体来讲，绘画的意义在于个体审美理想的展现。所以山水画的表现形式应该是多元的、开放的。当我们以更为宽广的思维去理解和表现的时候，自然能够跳出传统和创新之间的纠结与徘徊。如果说经典作品是传统绘画学习中绕不开的高峰，同样西方绘画也有许多优秀作品值得我们借鉴、学习、融合。西方绘画造型的的写实性、色彩的丰富性、画面形式的多元化等都可以在我们的绘画中转化为具有典型中国审美的艺术样式。
仔细分析传统山水画中写生作品的最终样貌，就不难发现，传统艺术观念下的写生最终所呈现出的作品样态几乎都是主观意识下笔墨关系的表现。哪怕是寥寥数笔的墨稿都具有很宽阔的不可预见性。西方风景绘画大多从一开始就努力忠实于自然，或者说在绘画意识中对自然的热爱或崇拜是其摹写的根源。传统山水画的写生很大程度上是具有创作性的，西方风景绘画的写生更关注对实景的再现——虽然这个过程中同样也包含着画家的主观处理与艺术化表现。而传统山水画的关注点从一开始就是超越于风景本身的，是依托于笔墨意趣而来的。认识到这一点，在学习借鉴过程中便可以把握主动性，获取自身所需要的艺术灵感，以一个开放、兼容的眼光和心态去扩展自己的文化广度与宽度，在山水画创作中一定可以找到更符合画家自身文化追求的表现方式。
风格的形成与格调的提升
绘画风格不应是刻意追求的，而是在创作过程中自然形成的。一般情况下，在绘画学习初期，学习者很容易受老师的影响，在作品中表现出明显的向师性，但随着对绘画理解的深入，具有个体特色的绘画风貌便会逐渐显现出来。从学习到创作，不同阶段会有不同的关注点，比如某个时期对于画面特殊效果的追求，对于画面形式感的迷恋，对于某种技法的过度依赖，这些都是必经的阶段，学习者不必急着去摆脱。个人绘画风格的形成并不是偶然的，与画家的主观努力、思考、实践是分不开的，通过大量的实践与探索以及对中国传统文化的深入学习与研究，日积月累便会形成个人的绘画语言风格。
在关注个人风格的同时，还有一个关键点就是绘画格调的问题。绘画是讲究个人风格的，风格与画家的个性、生活经历、审美取向都有很深的关联，把绘画作品的评价标准综合起来就是对画家作品格调的要求。风格无好坏，格调有高低，格调是画家艺术境界与思想境界的综合体现，所以，在追求绘画风格的过程中更应关注绘画格调的提升。